Sáb. Nov 27th, 2021
    La historia de la escultura

    Louise bourgeois

    Únase a expertos internacionales en una serie de diez semanas sobre la historia de la escultura y explore cómo los artistas utilizan una serie de estilos, técnicas y materiales para crear objetos tridimensionales, desde las civilizaciones antiguas hasta la actualidad.

    Desde las primeras civilizaciones, la escultura ha sido un elemento central de las prácticas devocionales y puede encontrarse en culturas de todo el mundo, y con el tiempo se ha convertido en una de las formas de arte más universales y duraderas. Esculturas tan diversas como la Venus de Berekhat Ram (230.000 – 700.000 a.C.), la monumental Esfinge egipcia (2558 – 2532 a.C.) y las miniaturas de oro de la época precolombina (a partir de 500 d.C.) son algunos ejemplos de la primera escultura devocional con un rotundo significado social y cultural.

    Está ampliamente aceptado que la tradición occidental de la escultura comenzó en la antigua Grecia (800 a.C. – 600 d.C.), donde los escultores empezaron a alejarse de la creación de objetos puramente espirituales para intentar plasmar el cuerpo humano en metal y piedra. Este movimiento tuvo una profunda influencia en todo el arte posterior, hasta el siglo XX. Estos ejemplos clásicos siguen constituyendo la base del canon histórico del arte e informan e inspiran a los artistas contemporáneos de hoy.

    Importancia de la escultura

    Esta lección va a ser una breve introducción a la historia de la escultura. Existen miles de años de increíbles ejemplos históricos de escultura. En esta lección, sólo podremos ofrecerte un breve resumen. Piensa en esto como el carrete de lo más destacado.

    Por lo general, pensamos en la escultura «en redondo» o en una estatua totalmente tridimensional. Esta pieza de ocre, encontrada en la cueva de Blombos, en la República de Sudáfrica, muestra marcas de grabado realizadas por un artista: ¿estás preparado? Hace entre 77.000 y 75.000 años.

    Aunque puede que no sea la escultura más impresionante que hayas visto, es una prueba del interés artístico por el diseño y la manipulación de los objetos con un fin estético. El Smithsonian afirma que el diseño de la pieza puede haber sido una forma de contar o almacenar información y que el patrón sistemático sugiere a algunos investigadores que las marcas de la placa representaban información y no sólo decoración. Aun así, está hecho con arte, lo que me sugiere que la estética tuvo alguna influencia, aunque sólo fuera para registrar información.

    Danza

    Soñando a Iolanthe, de Caroline Shawk Brooks, que representa a Yolande, duquesa de Lorena, la heroína de la obra de Henrik Hertz La hija del rey René. Fue esta obra maestra de 1876 la que despertó el interés popular por la escultura de mantequilla como forma de arte público. El cuenco se mantenía frío con hielo debajo.

    Las esculturas de mantequilla son esculturas talladas en mantequilla. Las obras suelen representar animales, personas, edificios y otros objetos. Son más conocidas como atracciones en las ferias estatales de Estados Unidos, como vacas y personas de tamaño natural, pero también pueden encontrarse en mesas de banquetes e incluso en pequeñas paletas decorativas de mantequilla[1] La talla de mantequilla era un antiguo oficio en el Tíbet, Babilonia, la Gran Bretaña romana y otros lugares. Las primeras esculturas de mantequilla documentadas datan de Europa en 1536, donde se utilizaban en mesas de banquetes. Las primeras piezas en sentido moderno como arte público datan de la década de 1870 en Estados Unidos, creadas por Caroline Shawk Brooks, una granjera de Helena, Arkansas[1] El apogeo de la escultura de mantequilla fue entre 1890 y 1930,[1] pero las esculturas de mantequilla siguen siendo una atracción popular en ferias agrícolas, mesas de banquetes y como empanadas de mantequilla decorativas.

    Tallado en madera

    El artista Adolph «Ad» Reinhardt (estadounidense, 1913-1967) comentó en una ocasión: «La escultura es algo con lo que te tropiezas cuando retrocedes para mirar un cuadro». A pesar de que Reinhardt creía en la preeminencia de la pintura respecto a la escultura, las obras de arte tridimensionales han resistido la prueba del tiempo -literalmente y en sentido figurado-. Los materiales utilizados para hacer esculturas, como la piedra y el bronce, son monumentos duraderos que pueden resistir los elementos del exterior. Además, los materiales como el bronce son muy costosos; los monumentos hechos de bronce pueden establecer la prosperidad y el poder de una sociedad o gobierno en las mentes colectivas de las generaciones venideras.

    Juventud victoriosa, griego, 300-100 a.C. Los artistas de la Grecia clásica alcanzaron un alto grado de naturalismo en la escultura de la forma humana. Este naturalismo, sin embargo, está muy idealizado, enfatizando una perfección casi antinatural del cuerpo humano.

    Dado que la escultura suele ocupar el espacio del mismo modo que lo hacen los seres humanos, podemos identificarnos con la escultura de un modo diferente al de la pintura. A diferencia de la pintura, que tradicionalmente representa una ilusión de espacio tridimensional en una superficie plana, la escultura habita realmente el espacio que comparte el espectador. Además, la escultura es táctil: se puede tocar y sentir sus diferentes texturas y formas. Por último, mirar la escultura es una actividad dinámica: la obra cambia a medida que el espectador se mueve en el espacio y el tiempo.

    Por admin

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